Une oeuvre du XXe siècle au Palais Carnolès, fiche pédagogique Une oeuvre du XXe siècle au Palais Carnolès, fiche pédagogique

Au milieu du XX^e siècle, de façon tout aussi informelle,  de nombreux artistes reprennent le chemin de l'abstraction, ils réagissent entre autres contre les canons esthétiques nazis ou ceux du réalisme-socialiste
 alors que précisément ce n'est pas une école. C'est à ce groupe que se rattache Serge Poliakoff, lequel connaît un grand succès à partir des années 1950. Pour lui, la peinture doit ouvrir sur une méditation intérieure, qui s'appuie sur la forme et la couleur, comme l'a dit Paul Klee : «l'art ne reproduit pas le visible, il rend visible».

Désormais le titre Composition, que Poliakoff choisit fréquemment  à partir des années 1940, n'oriente pas le spectateur pour décoder le sujet du tableau ; il renvoie de façon plus essentielle  à  l'élaboration picturale, fondée sur l'équilibre visuel entre la répartition des formes et des couleurs.

Pour ce faire, le peintre renonce très vite à la peinture en tube qui lui pose des problèmes au séchage. Sur une plaque de verre, il broie ses propres pigments, qu'il dilue ensuite à l'eau ou à l'huile, dans des proportions qui varient en fonction de l'épaisseur désirée. Si, au début, il travaille sur bois, il réalise l'essentiel de son œuvre sur toile, soit à la peinture à l'huile soit à la peinture à l'eau.

Poliakoff, né à Moscou, appartient à un milieu aristocrate russe très privilégié, dans lequel il reçoit une grande culture notamment musicale. Il fuit la Révolution russe en 1917 et, après un long périple, arrive à Paris en 1923, où il gagne sa vie en jouant de la musique. Parallèlement, il suit des cours de dessins et s'inscrit dans une tradition figurative. Dans les années 1930, il rencontre Vassili Kandinsky et Robert Delaunay et, peu à peu, il se tourne vers l'abstraction, en juxtaposant les surfaces de couleur qui s'imbriquent les unes dans les autres et il joue de la superposition des couches.
Progressivement, il réduit la gamme chromatique. C'est à partir des années 1950 qu'il est reconnu par le milieu  de l'art international : en 1962, il a une salle à la Biennale de Venise, en tant que peintre français (il a demandé sa naturalisation). En 1966, il obtient le Grand Prix à la Biennale de Menton. Il meurt en 1969.

Très tôt Poliakoff renonce au figuratif, qu'il qualifie  d'«anecdote».
Il déclare : «L'art abstrait vient davantage de l'intérieur et va plus à l'intérieur [que la peinture figurative]. Si on fait un tableau de bataille représentant des chevaux et des guerriers, il n'est pas nécessaire de faire appel à la philosophie pour trouver le contenu. L'art abstrait c'est un ensemble qui va plus loin dans le cosmos. Alors que la peinture figurative vit dans le cadre, l'abstrait, lui, déborde le cadre pour créer un cosmos».
L'abstraction devient une sorte de philosophie ou de métaphysique muette, qui part d'une subjectivité particulière et s'offre à tous, selon une modalité étrange : celle du mystère.

Mais bien sûr ce rapport à l’œuvre se fonde d'abord sur une expérience physique, sensible, qui vient des formes, des couleurs et de la matière : éléments essentiels de la peinture qui doivent être travaillés de façon à provoquer une vibration.

Quelle expérience essentielle vit Poliakoff grâce à Robert Delaunay ?

Poliakoff, juste avant la Deuxième Guerre mondiale, fréquente l'atelier de R. Delaunay, avec d'autres jeunes artistes (André Lhote, Albert Gleizes...) Un jour, le maître donne à tous la même contrainte : faire un arc-en-ciel à 3 couleurs (rouge/noir/bleu) à la gouache. Les peintres qui travaillent sur le même format, en usant du même medium, produisent tous des œuvres singulières.
Poliakoff confie à propos de cette expérience : « J'ai commencé à penser : comme c'est curieux […], le même format, les mêmes couleurs et nous sommes tous différents. C'était déjà une pensée abstraite.»
Dès lors l'artiste sait que sa personnalité et son univers propre peuvent transparaître à travers toute composition abstraite.

Quelles sont les relations entre les deux compatriotes que sont V. Kandinsky (1866-1944) et S. Poliakoff  (1900-1969) ?

Les deux peintres se rencontrent à Paris en 1937, Kandinsky qui est l'inventeur de l'abstraction géométrique qu'il a théorisée se montre très dogmatique avec le jeune Poliakoff. Celui-ci se détourne de cet enseignement car pour lui la peinture exprime une intériorité, relève d'une recherche intime et ne répond à aucune règle.
Il confie plus tard : «Kandinsky, à cette époque, approchait l'art comme un mathématicien ou un ingénieur. Mais pour moi l'art devrait couler de sources. Il y a un millier de façons de faire de l'art et trop de science peut le tuer.»
L'auteur du Spirituel dans l'art  néanmoins perçoit très vite le talent de ce jeune  peintre atypique ; il déclare : «Pour l'avenir, je mise sur Poliakoff.» Ce dernier reçoit le prix Kandinsky en 1947. 

Comment la culture picturale médiévale de Poliakoff l'influence-t-elle ?

Poliakoff connaît très bien les icônes médiévales russes (notamment d'Andreï Roublev) car sa mère l'emmenait régulièrement dans les églises de Moscou et il apprécie beaucoup la peinture de Giotto qu'il découvre lors d'un voyage en Italie. Ce qui l'intéresse dans ces  œuvres, ce sont  la recherche de la lumière,  l'absence de perspective qui proclame le caractère plan du tableau mais aussi la construction en diptyque ou triptyque, qu'il pratique à la fin de sa vie.